這么一個簡單的電影，主題明了。男主角代表默片，幽默、有才、表演夸張、風度翩翩；女主角代表有聲電影，新派、時尚、平民化、善于自我表現(xiàn)。兩人交往和沖突過程即象征著無聲電影和有聲電影交替的過程。

尤其是男主角心中對女主角復雜的感情，抗拒反感又不免被吸引，這正是當年默片被取代時，那些依靠默片生存或進行藝術表現(xiàn)的人們心中所懷有的感情。

男主角意欲自殺，本象征著默片的完全終結，但女主角及時出現(xiàn)讓兩種不同類型的電影終于得到融合，默片的屏幕形式改頭換面，以歌舞劇的方式獲得重生，從此展開了電影的一個新天地。

這是雙方妥協(xié)的結果，也是導演意圖呈現(xiàn)的最終目的——任何根植于時代的藝術載體，都不免經(jīng)歷著這樣的過程。如有聲對無聲、彩色對黑白、3D對2D、動畫對靜態(tài)……勢必對原來固有成規(guī)造成沖擊。但真正的藝術是不是僅有新潮和棄舊？導演以最后的結局告訴我們，舊派的藝術魅力結合新派的表現(xiàn)形式，或許才是昌盛之道。


這部電影以較為含蓄的手法來討論這個觀點，與男主角的人格、男女主角的愛情沒有太大關系，兩個人都是非常臉譜化的人物，那些能看到淚流滿面的人們讓我倍感無語。而且電影只是以一種近似默片的方式來講述故事，并沒有任何大張旗鼓、故作姿態(tài)的宣告：“默片時代回歸！懷舊第一！”的意思。甚至結尾男主角終于開口說話，隱隱表現(xiàn)了導演對默片有節(jié)制地緬懷、并不十分推崇的態(tài)度。男主角的自我蛻變正是默片必然的蛻變。

對藝術來說，沒有什么形式是永恒的。永恒的只是精神。

傳承這個精神的，正是不斷革新的載體?；蛟S原始部落圍在篝火邊聽巫師吟唱，和未來大家坐在全息3D影院中欣賞劇作，兩種人所感受到的東西并無不同。如果非要區(qū)別不同，那也是一味追捧懷舊和一味拋棄過去所帶來的狹隘。



以前《色戒》上映的時候，馬某人在采訪中說，他看完電影后深深感動于學生們的愛國熱情，我聽了之后很是無語……當時的感覺就跟現(xiàn)在看到有一些人們執(zhí)著于《藝術家》究竟是致敬默片還是踐踏默片一樣。

84和62——前者是2012年奧斯卡頒獎禮的屆數(shù)，后者則是根據(jù)《洛杉磯時報》的調(diào)查，握有學院獎投票權的美國影藝學院成員（俗稱“奧斯卡評委”）的平均年齡（中位數(shù)）。還有什么可說的？在這樣一股橫秋老氣的掃蕩下，《藝術家》焉能不得獎？這樣淺顯的道理，你明白，哈維?韋恩斯坦也明白，這位韋恩斯坦公司的老板已經(jīng)成功運作了《英國病人》、《莎翁情史》、《芝加哥》、《國王的演講》等片登頂小金人，此番公關運作《藝術家》，其實也是按套路打，連個像樣的對手都沒有，完全是有驚無險，順風順水的便又一次完成了韋恩斯坦的奧斯卡大業(yè)。

《藝術家》是法國人主創(chuàng)的，在去年的戛納電影節(jié)上只拿了個影帝獎，不過慧眼識珠的韋恩斯坦敏銳的察覺到了此片對于奧斯卡的殺傷力，他迅速買下了此片的版權，此后便開始一步步的運作其沖擊小金人。從內(nèi)容來看，《藝術家》頗像是法國影人對好萊塢的一次“諂媚”致敬：影片完全“復原”了20世紀30年代的黑白默片感覺，通篇采用黑白默片的表現(xiàn)形式，通過“返祖”式的影像語言，講述了一個默片時代的明星如何在有聲片來臨時陷入沉淪、最后又奮起重生的故事。從故事結構上來看，《藝術家》就像是《一個明星的誕生》的翻版，故事稀松平常，拍攝手法也了無新意（當然，導演邁克爾?哈扎納維希烏斯本來就刻意排斥使用現(xiàn)代電影手法），不過熟悉好萊塢默片歷史的影迷朋友，卻可以從片中找到眾多熟悉的“彩蛋”——不僅諸多場景設計和鏡頭運用都有跡可尋，就連片中那只小狗，都可以從華納公司80年前的明星小狗阿斯塔身上找到原型。

相信奧斯卡的絕大多數(shù)評委們是打心底里熱愛《藝術家》的，這群平均年齡已過花甲的老人，在日新月異的信息時代新技術沖擊下，其實早就有點摸不著頭腦了。而韋恩斯坦公關運作的這部《藝術家》，時長不過100分鐘，故事通俗易懂，內(nèi)容亦都是向偉大的好萊塢傳統(tǒng)致敬，這無疑是給垂垂老矣的學院成員們度身定制的。奧斯卡究其實質(zhì)，其實就是以好萊塢為核心所組織的前一年度世界電影工業(yè)的年終大聚會，在這樣一個老前輩掌握話語權的場合，《藝術家》對他們點頭哈腰、鞠躬作揖，作為回報，學院把最值錢的奧斯卡小金人當“壓歲錢”賜還給片方，當然符合邏輯_《藝術家》對學院成員的“呵護”幾乎是無微不至的，你看這片名，其實在無形中也奉承了一把影藝學院成員們?nèi)找媸涞木⑿膽B(tài)。

由是而言，《藝術家》就像是學院老人們給世界電影業(yè)的一次集體默哀，他們甚至需要營造重回電影藝術子宮的幻覺來尋找安全感，這或許意味著，新興技術的蓬勃發(fā)展，已經(jīng)讓不少老電影人感覺有些窮途末路——《藝術家》里那位主人公無法適應有聲時代的來臨，無疑就是當今的老電影人摸不清CG、動作捕捉和3D技術套路的真實寫照。在這里，《藝術家》就像是一則墓志銘，寫給昔日那偉大的、老電影人們所熟悉的電影時代。

但是，電影不會死，電影藝術也不會死，新陳代謝乃是宇宙間不可更替的規(guī)律，新的電影技術手段必將助推電影本體發(fā)生質(zhì)的改變。所以，《藝術家》又是一則宣言書：或許動作捕捉裝置還太笨拙，CG生成的人臉還太呆滯，帶著眼睛看3D電影總讓人頭昏眼花，但這都不重要，就像《藝術家》的主人公嘲笑故障百出的有聲電影裝置時，制片人所告誡他的那樣：“笑什么，喬治，這就是未來！”

《藝術家》都拿奧斯卡了，未來還會遠么？

（刊載于《南方人物周刊》2012年3月5日第7期）

        很多時候，我們總是習慣性的認為自己當下從事的一些活動是理所當然的，而對過去久遠的一些事物感覺到一絲無法接近的距離感，感覺它們是過去，自己必定無法理解和適應。在電影領域，面對已經(jīng)奔3D而去的影音趨勢，那2D的，還黑白的，甚至還無聲的默片，對大多數(shù)人來說，無疑是匪夷所思的形式。怎么會有人能忍受沒有對白的電影？我過去也帶著這樣的感覺而與默片劃清距離，直到偶然接觸，感到興趣，再更多欣賞，逐漸領略到了默片的魅力，以及那個時代的大師們的獨特藝術氣質(zhì)。對于喜歡默片，或者黑白老電影的觀眾來說，《藝術家》無疑是個驚喜，它不單形似，更神似的表現(xiàn)了老電影歲月的風采和榮光。

        自從電影進入彩色時代以來，也時常有導演處于某種原因，采用黑白電影的方式復古拍攝一些影片，其中代表性的莫過于《辛德勒名單》那黑白色彩下的凝重與深沉，還有《鬼子來了》黑白寫實最后從死者視角突然閃現(xiàn)的彩色畫面的超現(xiàn)實色彩。而真正復古到默片程度的導演就寥寥無幾了，畢竟這太挑戰(zhàn)觀眾極限了，最多如金基德做到臺詞極少已屬于另類，這還被認為是“文藝片”。倒是著名戲仿電影大師梅爾?布魯克斯拍攝過一部神作《無聲電影》，惡搞加致敬的來了一次無聲電影，但是那畢竟是默片的現(xiàn)代化解構。而《藝術家》的難能可貴在于，它不光簡單的無聲那么簡單，從影片攝影、故事展開、人物神態(tài)、服裝化妝、表演方式，甚至到配樂，都還原了老電影時代的味道，同時，也在其中不乏現(xiàn)代電影的演繹和闡釋，這份對老電影細致入微的觀察與還原就值得尊敬。

        在那默片的時代，故事和人物都那么簡單和單純，好人就是好人，壞人就是壞人，悲傷就放肆大哭，高興就夸張的大笑，不像現(xiàn)在追求角色所謂的“立體”和“復雜”。影片故事的味道竟然讓我感受到了卓別林電影的感覺，那種那個時代優(yōu)秀電影“樂而不淫，哀而不傷”的氣質(zhì)。在無聲電影和有聲電影轉變的時刻，默片時代巨星喬治?瓦倫丁偶遇籍籍無名的女孩佩皮?米勒，然而，也正是這次相遇暗含時代變遷的軌跡。因為在默片時代的巨大成就，瓦倫丁充滿自信，對有聲電影時代的到來不以為然，過去的成就常常就是一種思維方式的負擔，他倔強的堅持默片，直到迎來票房災難和自己的落魄。而米勒是個除了自己，什么也不擁有的年輕女孩，只要有出頭的可能，她樂于擁抱任何變化，于是，抓住了有聲電影時代的那只命運之手，她成為了有聲電影的第一代女星。這是一個多么美國夢的故事，包含了勵志，也有沉淪，故事的橋段，很有默片時代的味道，那種狂喜與神傷的表現(xiàn)都直接、夸張，說白了，就是真正地像“表演”。老電影時代，總體趨向是真善美和大團圓的，所以，《藝術家》中落魄的瓦倫丁雖然一度風光無限，卻沒有那么桀驁驕狂和虛榮，反倒豪爽和平易近人；米勒成名后也沒有得意忘形和世故，反倒低調(diào)而心地善良。于是，米勒遇上了她的偶像瓦倫丁，看著他被時代拋棄，也努力走上星光大道，不變的是對瓦倫丁，以及隨他而去的時代的尊重。兩人的故事單純、美好，讓本身模式化的故事有了另一層美麗。

        事實上，默片時代的攝影和配樂也充滿特色，黑白影像下，攝影對影片氛圍和故事推動常常有著特別的助力，如瓦倫丁落寞和幻覺的場景，黑白對比度下的效果就很有感染力。而在沒有對白的默片時代，配樂的作用和評判標準絕非“好聽”那么簡單，它幾乎就是演員的第二臺詞，要隨著劇情節(jié)奏、橋段局面、角色感情不斷變化，《藝術家》用各個經(jīng)典電影配樂加上細心的加工，對老電影配樂的神韻還原的特別好，無疑也是奧斯卡最佳配樂有力的競爭者。本片最現(xiàn)代化的展現(xiàn)方式，無疑是瓦倫丁的一段幻覺，突然，影片有了配樂以外的聲音，瓦倫丁感受到了身邊物品碰撞敲擊的聲音，將他仿佛置換出熒幕，與觀眾一起感受沉默中，點點滴滴日常生活的聲音。一個默片時代巨星，對有聲電影內(nèi)心的恐懼由此入木三分的刻畫出來，即有聲電影不只是一種技術，它是對電影行業(yè)，一代人的生活方式的改變，也是社會一個維度的巨大改變。影片尾段，對此有著更絕妙的切入，沮喪的瓦倫丁在米勒的提醒下，終于發(fā)現(xiàn)自己還有踢踏舞這一強項，于是，影片結尾，巧妙的讓瓦倫丁和米勒載歌載舞，將時代切入到伴隨有聲電影而來的歌舞片時代，而在末尾，他們終于發(fā)聲，讓影片以一種高雅的姿態(tài)迎來大團圓的結尾。

        《藝術家》，是對老電影時代的致敬，對默片時代的致敬，它并沒有批判或者嘲諷“冥頑不化”的瓦倫丁，甚至瓦倫丁失敗的電影拍攝過程中，我們也可以感受到他認真的態(tài)度，正如他接受采訪所說“我是藝術家，不是傀儡”。這種看起來有些過激的對時代變化的反映，也表現(xiàn)著一代電影工作者令人尊敬的倔強，所以，哪怕影片早早就進入了有聲電影時代，整部影片也以默片的方式呈現(xiàn)，甚至以此方式表現(xiàn)米勒的有聲電影表演，有此可見主創(chuàng)人員的立場，那是值得尊重的年代，那是電影成長的歲月。在電影日趨成熟，并很可能將進入另一輪技術驅動轉變的今天，回首看看那些藝術家的歲月不只是一種復古，也是一種電影營養(yǎng)的再汲取。1895年，法國的米埃爾兄弟以一組電影短片，標志著電影的誕生，接著在好萊塢，電影進入真正工業(yè)化和普及化的時代，所以，《藝術家》這部影片也是有趣的，由法國導演，以默片的方式，演繹一個美國好萊塢的故事。而讓?杜雅爾丹和貝熱尼絲?貝喬兩位法國演員的表演也確實出色，非常有好萊塢電影明星的味道，一招一式都是很古典的表演方式，出色的表演讓他倆并未被片中那只惹眼神狗烏吉完全搶去風頭，我們知道，在電影界，這是很不容易的事情。而接下來，在奧斯卡，希望《藝術家》能斬獲豐碩成果，讓這個團隊在烏吉的領頭下，光榮的走上紅地毯和領獎臺。

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《藝術家》當真是近年來少有的能夠讓人眼前一亮的電影，倒不在于其中蘊含多么深邃的內(nèi)涵，而在于形式上有一個漂亮的藝術創(chuàng)新?；叵脒^去，當電影還只是一個偉岸的啞巴時，都是誰在扮演著德藝雙馨藝術家的角色？主人公George Valentin的扮演者讓·杜雅爾丹，也是哈扎維納西烏斯導演的法國間諜劇《里約諜影》里的男一號，有著光澤的頭發(fā)、上挑的眉毛和結實的肌肉，一看就是大眾情人般的范兒。公眾的崇拜也讓他理所當然的成為了一個無憂無慮的自我陶醉者，每日帶著他“愛演戲”的小狗周璇在無言的妻子和其他演員之間，在貝利佛山的紅毯上展示著屬于他的榮耀。但僅僅是兩年之后，有聲電影的興起給了這個默片時代的英雄當頭一棒。有聲片中優(yōu)美的音樂和明亮的顏色很快便讓觀眾不再懷念屬于默片的那個“摩登時代”。正如《日落大道》的主人公一樣，George也不得不被新的電影浪潮流放到好萊塢古典時期那座褪色的萬神殿中。與此同時，與他形成鮮明對比的是一個名叫Peppy（活躍的人如其名）的女演員順應了有聲電影時代的要求，從默默無聞的粉絲、龍?zhí)?，到“好萊塢甜心”的演變，如法炮制了《一個明星的誕生》式的成名之路。George毀于他的頑固和驕傲，即便是最潦倒的時候，他依然拒絕“說話”，最后只有狗和司機仍跟隨著他。主人公的遭遇領人同情，更令人同情的是，不僅在好萊塢的影史上有許多這樣真實的主人公，同樣的事情也曾發(fā)生在中國。大家都知道阮玲玉之死和她留下的那句“人言可畏”的情殤，卻鮮有人知，彼時，默片中的“神女”因為國語不好在事業(yè)上也遭受著江河日下的折磨。所以，比起那些向“經(jīng)典默片致敬”的通俗說法，我覺得《藝術家》毋寧說是導演在用一種失傳了半個世紀之久的方式，在向觀眾表達著自己對電影的愛意。為什么是法國導演和法國演員排出了這樣一部電影？恐怕其中還有著法國人作為電影鼻祖的那份同George一樣的驕傲和固執(zhí)。其實嚴格說來，《藝術家》并不是一部默片。大量的音樂被鋪在了聲軌上，同時在個別段落也實驗性的加入了環(huán)境音、動作音甚至臺詞（最后一幕）。為了讓觀眾產(chǎn)生更多的共鳴，導演在復制早期電影的視覺效果上也破費心思，甚至讓膠片的轉速從每秒24格降到了16格（人物動作加快）。片中大量的音樂取自希區(qū)柯克的《迷魂記》，而George和妻子吃早餐一場戲的蒙太奇場景，則是明顯效仿了奧遜·威爾斯的《公民凱恩》。事實上，就連故事線也是好萊塢影史上屢次被翻拍的《一個明星的誕生》和著名的《日落大道》的混合體?！端囆g家》并不是一個忠實的默片的復制品，它更像是一個再造的經(jīng)典老爺車上被安裝了GPS導航系統(tǒng)。這部情懷制作無疑會是懷舊者的心頭之愛，亦如馬丁·斯科塞斯的新片《雨果》（致敬梅里耶的《月球旅行記》）。可惜，導演似乎有點得意于他的這種小伎倆。的確每一個細節(jié)看起來都很不錯，演員夸張的肢體語言、雙關的對白、傲慢與偏見的世俗價值觀以及那只比人還愛表演的小狗都給人留下了深刻的印象。《藝術家》是一部高明的“偽默片”，但也許離偉大的電影還有幾分差距。但值得肯定的是，近幾年來，在世界范圍內(nèi)電影語言都始終缺乏必要的革新?！端囆g家》這部“非典型默片”的出現(xiàn)確實是給觀眾帶來了一絲新意——但并不是革命，因為，歷史的車輪不會倒退，默片永遠不會復興，否則，那些新建的大量的3D-IMAX影院的老板們要如何適從？畢竟，電影說到底，還是一筆生意。

致命錯誤：
《雨中曲》之所以可以選擇相似題材，是因為有聲電影的現(xiàn)實主義特質(zhì)能夠“再現(xiàn)”那段歷史變遷中最值得關注的部分，比如默片女明星的公鴨嗓曝光、幕后配音的天壤之別、以及藏話筒所鬧出的各種笑話等等?？赡阍趺茨芊雌涞蓝兄?，用默片去講一個關于有聲時代來臨的故事呢？這本身就是荒謬的！因為你無法通過一種不出聲的藝術形式去呈現(xiàn)聲音出現(xiàn)所引發(fā)的巨變，何況這種巨變又是推動劇情發(fā)展的最核心要素。導演沒法解開這個死結，他只有逃避。所以我們就看見了在女主人公獲得巨大成功的橋段中，她主演的影片片段截取都很短，且剛好都是只做動作不用發(fā)聲的場景。我們只知道她成功了，卻不知道為什么。但最搞笑是結尾，導演竟然用打字卡的方式去表現(xiàn)制片人與頭牌女星爭論如何去拍一部有聲片？這算是在自嘲嗎？

主要錯誤：
感情刻畫較蒼白，沒有說服力。餐廳背坐一場戲，女主人公接收媒體采訪時的言談舉止根本就是一個忘恩負義的輕佻女。你很難想象這樣的女人轉臉就坐在空蕩蕩的影院包廂里淚流滿面地望著男主人公所飾演的角色陷沒在沙坑中。反過來，男主人公燒盡所有拷貝，獨留舞會NG那部也是在刻意煽情，缺少合理的感情變化支撐。

其他錯誤：
1、在女主人公豪宅的儲藏室內(nèi)發(fā)現(xiàn)自己拍賣品大集合本應是個意外兼高潮，但由于之前的拍賣會橋段中有冗余鏡頭“泄密”，觀眾已早早猜到了端倪，使得伏筆揭示時的感染力大打折扣。
2、舊屋自殺一場戲采用了格里菲斯式的最后一秒拯救模式。真正的意外是那個字卡“bang”。觀眾的情緒的確得到了釋放，但決不是因為主人公轉危為安，而是被導演的手法給氣樂了：居然靠人家聽不到聲音，分辨不出車撞樹還是子彈爆頭去制造懸念？I服了U！

疑似錯誤：
1、字卡不斷提示年復一年，小狗始終還是那么小。
2、女人扔下劇組直奔醫(yī)院探視，可服務臺，醫(yī)生，護士竟然沒有一個認出這位好萊塢大明星？！不要簡單地把它當做“雞蛋挑骨頭”，此處細節(jié)缺失也許正是該片白開水式的敘事效果的一個縮影。

個人想到的致敬：
1、女主人公星途順遂排名上調(diào)一段的出處是希區(qū)柯克默片《戒指（拳擊臺）》
2、吧臺幻影靈感更像來自懷爾德的《失去的周末》：酒癮發(fā)作的雷米蘭滿眼都是大衣在跳舞。
3、鴻毛落地發(fā)出鏗鏘之聲的那場夢境，好像希區(qū)柯克默片《下坡》里某段的手法。

給了兩星半。一顆給狗，一顆給各種致敬，半顆給……好吧，因為這幫人拍過我喜歡的《開羅諜影》。